Lichtung – Programm

Durch Dickicht, durch Schatten, durch Ungewissheit, bis sich der Raum öffnet. Licht fällt ein. Orientierung kehrt zurück. Eine Lichtung entsteht nicht einfach – sie wird erreicht. Und sie bedingt immer auch das sie umgebene Dickicht, das Dunkle und Angsteinflössende. Die Lichtung ist immer auch Ort und Zustand zugleich. Ein Dazwischen, das Klarheit schenkt. 

Mit dem Campus Orchester bahnen wir uns gemeinsam den Weg dadurch. Wir finden uns in der Dunkelheit wieder, begleitet von einer Frage, die verhallt ohne Antwort zu finden. Wir bewegen uns durch Abschied und Aufbruch und suchen in einer Landschaft in Veränderung nach etwas, das sich nicht festhalten lässt. Die Lichtung, die wir suchen und auch finden werden, erreichen wir nicht durch Zufall, sondern durch das bewusste Überwinden. Wir begeben uns nicht äusserlich, sondern vielmehr innerlich auf die Reise von der Frage zur Klarheit, vom Ertasten zu Entschlossenheit und vom Orientierungslosen zum Leitstern. Das Campus Orchester vereint dazu Konzentration, Klangkultur und Haltung zu einem Unterfangen, das nicht nur musiziert, sondern achtsam gestaltet. 

Charles Ives, «The Unanswered Question»

Ruhig und zugleich beunruhigend. Das Stück «The Unanswered Question» beginnt und endet in absoluter Stille. Die schwebende Transzendenz begleitet die Zuhörenden vom ersten bis zum letzten Ton. 1908 als Teil des Duos «Two Contemplations» vom Amerikaner Charles Ives komponiert, wurde es in den 1930er Jahren von Ives überarbeitet und ist heute als eigenständiges Stück bekannt. Die Uraufführung fand jedoch erst 1946 in New York statt. Mit seinem unverwechselbaren Charakter, der Polytonalität, Polyrhythmik, freie Dissonanzen und dem Collagencharakter, gilt «The Unanswered Question» und damit auch Charles Ives als Wegbereiter der musikalischen amerikanischen Moderne, die als eigene Musiksprache von der europäischen unterscheidet.

Das Stück ist Ives Reflexion mit der «ewigen Frage der Existenz» wie es im Vorwort der Partitur heisst. Kennzeichnend sind die drei Schichten in seinem Werk. Da ist die Klangebene der Streicher, die stets die gleiche bleibt, sich nicht verändert. Es ist keine Begleitung, sondern ein Weltbild, die gleichgültige Unendlichkeit. Hinzu kommt die Trompete, die dasselbe fünftönige Motiv siebenmal wiederholt, sinnbildlich für die titelgebende Frage. Dieses Motiv ist keine dramatische Geste, sondern schlicht das beharrliche, wiederholte nachfragen. Für Ives existiert diese Frage nach der Existenz unabhängig davon, ob jemand zuhört oder darauf reagiert. Die dritte Schicht bilden die Holzblasinstrumente, beispielhaft für die suchende Menschheit, die zunächst ruhig, dann zunehmend unruhiger eine Antwort auf die Frage suchen, jedoch keine finden und letztendlich nur mit Stille antworten können. Spannung entsteht hier nicht durch das Ausfüllen des Klangraumes, sondern durch das gezielte Auslassen, das Schaffen von Lücken.

Als Gesamtes klingt das Stück wie ein Gedanke, der im Universum verhallt. Ives formuliert in Tönen, was die Menschheit sich schon immer gefragt hat, und lässt die «unbeantwortete Frage» bewusst offen. 

Gustav Holst, «A Somerset Rhapsody»

Ein offener Horizont, weite Felder, archaische Atmosphäre. Gustav Holst schenkt uns mit «A Somerset Rhapsody» Musik, die atmet und trägt.

«Opus 21», wie das Werk des englischen Komponisten ebenfalls bezeichnet wird, wurde 1906 komponiert und vier Jahre später uraufgeführt. Das Stück wurde auf Anregung des Volksliedersammlers Cecil Sharp geschrieben, dem Gründervater der damaligen Folk-Revival-Bewegung, einer Strömung von Komponisten, die alte englische Volkslieder sammelten und aufbereiteten. Ein Wettlauf gegen die Zeit in einem sich zunehmend industrialisierten, verstädterten England, in dem nur noch wenige ältere Menschen, Fischer und Bauern in den verlassenen Dörfern die alten Melodien kannten. Drei dieser Melodien fanden Eingang in eines der bekanntesten Werke von Gustav Holst – «It’s a Rosebud in June (Sheep-Shearing-Song)», «High Germany» und «The Lover’s Farewell». 

Das Stück beginnt ruhig und pastoral mit einem typischen «Sheep-Shearing-Song», heiter und beschwingt erzählt die Melodie von der Schafschur im Sommer, dem Blühen der Rosen und dem gemeinsamen Tanzen auf dem satten Grün. Wohingegen die zweite Melodie das Schicksal zweier Liebenden erzählt, einem jungen Mann, der in den Krieg ziehen muss und seiner Geliebten, die ihm nicht ins Ausland folgen will. Die letzte Melodie ist eines der meistverbreiteten englischen Volkslieder und erzählt den schmerzlichen Abschied und das Zurückbleiben der Frau, schwermütig und zärtlich, während der Mann weiterziehen muss. Zurück bleibt die pastorale Stille der Landschaft. 

Mit «A Somerset Rhapsody» werfen wir einen Blick zurück in eine schon damals verlorene, ländliche Welt Englands, zart und narrativ. Wir machen uns gedanklich auf den Weg, um den ersehnten Gedanken, den Wunsch zu suchen. Die gesammelten Volkslieder stehen sinnbildlich dafür, als Teil einer Vorstellung von einem Ideal aber auch inhaltlich. Schliesslich erzählen sie vom Wandel der Jahreszeiten, der Bewegung von Natur und Menschen und vom Voranschreiten der Zeit. Wir folgen einer musikalisch wiederbelebten authentischen Stimme eines verlorenen Englands. Das Werk, das von Freude, Aufbruch und Abschied erzählt, ist durchzogen von einer Melancholie, die sich erst zum Schluss hin offenbart und trotzdem nicht gänzlich greifbar wird. Im Hintergrund, ungehört und unerzählt, bleibt diese Suche das eigentliche Thema von Gustav Holst Werk und die Melodien sind die Sonnenstrahlen, die in einem dichten englischen Wald Orientierung bieten. 

Ludwig van Beethoven, «Sinfonie Nr. 5 in c-moll»

Dunkel und zugleich unaufhaltsam. Die Sinfonie Nr. 5 beginnt mit einem Schlag – vier Noten, die keine Einleitung brauchen, keine Vorbereitung kennen. Beethoven zieht uns in eine Welt, aus der es kein Entkommen gibt. 1807/08 komponiert, zeitgleich mit der 6. Sinfonie, und am 22. Dezember 1808 im Theater an der Wien uraufgeführt, gilt die «Schicksalssinfonie» heute als eines der bekanntesten Werke der gesamten Musikgeschichte. Entstanden in einer der tiefsten Krisen seines Lebens. Beethoven rang seit Jahren mit fortschreitender Taubheit, erwog 1802 im Heiligenstädter Testament sogar den Tod. Das Werk trägt die Energie eines Menschen, der sich weigert, sich dem Schicksal zu ergeben. In dieser Kompromisslosigkeit wurde Beethoven zum Wegbereiter der musikalischen Romantik und prägte das Bild des Komponisten als kämpfende, leidende Persönlichkeit bis heute.

Dennoch ist Beethovens «Schicksalssinfonie» nicht als ausufernde Dramatik misszuverstehen, es ist vielmehr ein bewusster Aufbruch. Kennzeichnend ist der dramaturgische Bogen, der die gesamte Sinfonie durchzieht, der nicht als Klage formuliert wird, sondern als Weg hindurch. Charakteristisch ist das Motiv; drei kurze Noten und ein langer Ton. Es ist Beethovens Impuls, der Antwort verlangt und im ersten Satz Raum einnimmt. Dieses Motiv ist der sinfonische Urstoff, aus dem Widerstand erwächst. Es durchdringt alle vier Sätze, taucht in veränderter Form hie und da auf und gewinnt immerzu an Entschlossenheit. Der zweite Satz ist ein Innehalten. Ruhig und nachdenklich ist es kein Rückzug, sondern eine Sammlung der Kräfte. Der dritte Satz ist drängender, traumartiger und leitet ohne Unterbruch direkt ins Finale über, ein kraftvolles Vorwärtsbewegen. Als Ganzes klingt die Sinfonie wie der Weg von Impuls zu Entschlossenheit, von Dunkel zu Klarheit. Beethoven formuliert in Tönen, was innere Stärke bedeutet, verstanden nicht als Abwesenheit von Widerstand, sondern als bewusste Überwindung davon.

Die ungewöhnliche Verbindung der Sätze ist keine strukturelle Besonderheit, sondern ein Statement. Deutlich stehen hier das Durchschreiten und mühsame Hindurcharbeiten im Vordergrund. Widerstände werden nicht umgangen, sondern unter Kraftaufwendung durchschritten. Die Belohnung ist der greifbare Moment, wenn sich das Dickicht endlich öffnet und sich ein offener Raum voller Erkenntnis auftut.

Text: Raphael Schweighauser